À propos d'Helen McNicoll

Helen McNicoll (1879-1915), l’une des artistes les plus prolifiques au pays, obtient des éloges pour ses représentations lumineuses et ensoleillées de paysages ruraux, de sujets d’enfants et de figures féminines modernes – des œuvres qui ont contribué à populariser l’impressionnisme au Canada.

À propos de l’inspiration de l’élève

« Parfois, le poids de l’adolescence ou les défis de l’âge adulte me semblent écrasants. Dans ces moments, je me prends à regretter l’insouciance de l’enfance, lorsque les responsabilités étaient peu nombreuses et les soucis, légers. Cette œuvre est inspirée par les tendres représentations de l’enfance d’Helen McNicoll. Certaines des fabuleuses œuvres d’art de McNicoll illustrent la bonté simple de l’enfance, une période où le monde semble plein de possibilités infinies. En hommage à l’héritage de McNicoll, j’ai voulu créer une scène de mon enfance en me basant sur mes vagues souvenirs, tout en établissant mon style artistique personnel pour montrer mon désir de retourner à cette époque d’innocence et de joie pure. »

–Muying Deng (9e année, Regina Christian School, Regina, Saskatchewan)

À propos de Jim Oskineegish

Jim Oskineegish est un artiste et un guérisseur de la Première Nation Eabametoong. Depuis le début des années 2000, Oskineegish travaille dans le style de l’école de Woodland, une approche de la peinture défendue par Norval Morrisseau (1931-2007). Les œuvres d’Oskineegish véhiculent des histoires et des légendes, ainsi que des valeurs et des enseignements ojibwés.

À propos de l’inspiration de l’élève

« La peinture Changes (Changements) de Jim Oskineegish est la source d’inspiration de Something More (Quelque chose de plus). L’art communique différemment et suscite diverses interprétations de la part de chaque personne qui l’observe. Mon analyse personnelle de ce tableau est que chaque poisson provient de la même espèce, mais tous deux osent être différents chacun à leur manière. Oskineegish peint avec des couleurs vives et très contrastées qui soulignent cette diversité, tout en créant une unité dans l’ensemble de la composition. Ma réaction à l’œuvre d’Oskineegish a également été influencée par une citation de l’ancien président des États-Unis, Thomas Jefferson : « Si vous voulez quelque chose que vous n’avez jamais eu auparavant, vous devez être prêt à faire quelque chose que vous n’avez jamais fait ». Avec Something More (Quelque chose de plus), je cherche à représenter le courage nécessaire pour s’écarter des normes et des attentes de la société de sorte que ça révèle une part invisible de soi-même. »

–Rakhshinda Sahrish Chowdhury (9e année, J. Clarke Richardson Collegiate, Ajax, Ontario)

À propos de Clarence Gagnon

Connu pour ses représentations impressionnistes du Québec rural, Clarence Gagnon (1881-1942) était particulièrement doué pour saisir son sujet en hiver, produisant des scènes enneigées et tranquilles, composées de couleurs vives et de forts contrastes dans les ombres et lumières.

À propos de l’inspiration de l’élève

« Clarence Gagnon est un artiste canadien-français connu pour ses paysages du Québec. L’estampe Retour de l’église m’a rappelé la messe du samedi à laquelle j’assiste chaque semaine à l’église catholique chinoise de Montréal. Après la messe, nous nous rendons tous au centre communautaire de l’église, situé à quelques minutes de marche. En hiver, nous marchons très vite, la tête baissée, pour échapper au froid. Retour de l’église m’a rappelé cette scène que j’ai voulu représenter dans mon tableau. J’ai apprécié les contrastes créés par les couleurs vibrantes de l’œuvre de Gagnon et j’ai tenté de les recréer dans ma peinture. »

–Yuzhi An (9e année, Paramount Study, Montréal, Québec)

À propos de Kent Monkman

The Scream (Le cri), 2017, a été incluse dans l’exposition historique de Kent Monkman (né en 1965), Shame and Prejudice: A Story of Resilience (Honte et préjugés : une histoire de résilience), présentée au musée d’art de l’Université de Toronto. Dédiée à sa grand-mère paternelle, l’exposition mettait en lumière les mauvais traitements infligés par le Canada aux peuples autochtones. La photo de référence est Ammaakulutché par Chris Douglas.

À propos de l’inspiration de l’élève

« Dans The Scream (Le cri), 2017, de Kent Monkman, les horreurs des pensionnats autochtones sont mises en évidence lorsque des enfants sont agressivement arraché·es à leur famille. En tant qu’artiste métisse, cela me pousse à réfléchir au génocide culturel des peuples autochtones par le biais de mon art. Les pensionnats étaient des écoles parrainées par le gouvernement et dirigées par des églises afin d’assimiler les enfants autochtones en les dépouillant de leur culture, de leur langue et de leur identité. Dans mon tableau de gauche intitulé Ammaakulutché (qui signifie « réconciliation » en langue crow), j’ai peint Lakisha Flores (une mannequin crow) portant la tenue de cérémonie qu’on lui a composée et offerte. Cette tenue peut être considérée comme un symbole de la résilience de la culture et de l’histoire autochtones face aux horreurs du colonialisme et comme un symbole de la reconquête de la tradition. Ces horreurs sont représentées à droite par ma peinture Ihkulusshíia (qui signifie « effacement » en langue Crow) d’une jeune fille dans un pensionnat. »

–Amelia Picard (11e année, École secondaire publique De La Salle, Ottawa, Ontario)

À propos de Lionel LeMoine FitzGerald

L’artiste manitobain Lionel LeMoine FitzGerald (1890-1956) a été caractérisé par les critiques d’art comme « l’homme qui regarde par la fenêtre », en ce qu’il a produit de nombreuses vues intérieures et extérieures qui témoignent de ses méthodes d’observation habiles et transmettent un sens profond de la familiarité ainsi que du lieu.

À propos de l’inspiration de l’élève

« Spring Break (Semaine de relâche) s’inspire de From an Upstairs Window, Winter (D’une fenêtre d’en haut, l’hiver) de L. L. FitzGerald, qui montre comment les ambitions académiques affectent la fréquence à laquelle nous passons du temps à l’extérieur, à bouger et à nous amuser, comme nous le faisions lorsque nous étions de jeunes enfants. J’ai interprété l’œuvre originale comme une déclaration sur le fait de se surmener dans ses études. Oubliant momentanément le présent, nous nous retrouvons à nous inspirer d’une vue commune et à la transformer en un sentiment de sérénité et de nostalgie. L’atmosphère chaleureuse est évoquée dans un paysage hivernal et les éléments relatifs à l’étude sont laissés à la périphérie de l’œuvre. En outre, les directions uniques des arbres évoquent l’imperfection et l’espièglerie. Je voulais montrer que nous passons moins de temps à l’extérieur à cause de la technologie et des études, ce qui a un impact négatif sur notre bien-être mental. Même les plus courts moments passés à savourer les paysages de la nature peuvent purifier l’esprit et l’âme. »

–Frankie Wu (11e année, Richmond Secondary School, Richmond, Colombie-Britannique)

À propos de Prudence Heward

Dans ses portraits de jeunes femmes solitaires ou en groupe, Prudence Heward (1896-1947) dépeint souvent son sujet avec une honnêteté inébranlable. Anna est la première œuvre d’Heward achetée par le Musée des beaux-arts du Canada.

À propos de l’inspiration de l’élève

« Prudence Heward a souvent représenté ses sujets féminins comme étant neutres et « peu attrayants », projetant les luttes des femmes. Dans ses peintures, l’arrière-plan et la figure sont toujours dissonants : l’arrière-plan est simplifié, mais la figure est détaillée et sculpturale, ce qui crée une impression de désordre. Le portrait Anna a attiré mon attention en raison de l’expression misérable du visage du sujet. La figure sans embellissement me donne l’impression qu’il s’agit d’une personne existant naturellement, et non d’une déesse. Le décalage entre Anna et son environnement me fait penser qu’elle n’est pas satisfaite du statu quo. En guise de répartie, j’ai joué sur ce sentiment de dissonance avec mon autoportrait, en le plaçant contre un paysage urbain désorientant pour exprimer l’expérience déroutante du décalage entre mes pensées et les normes culturelles canadiennes. La peinture traduit le sentiment d’accablement que j’ai ressenti après avoir immigré au Canada. »

–Lok Yiu Janice Lee (12e année, Fort Richmond Collegiate, Winnipeg, Manitoba)